DIBUJAR LO QUE NO PUEDE SER DIBUJADO (Y TRIUNFAR EN EL INTENTO)

Durante la última fase de la adolescencia fui lector compulsivo de H.P. Lovecraft y sus Mitos de Chtulhu. No concibo una adolescencia sin Lovecraft. Luego he ido releyendo sus cuentos de manera irregular. La última ocasión fue el verano pasado. Me acerqué por enésima vez a esa maravilla que es La sombra sobre Insmouth. El ominoso imaginario del genio de Providence es muy difícil de adaptar. En lo cinematográfico la cosa es bastante trágica (porque Reanimator es genial, pero no es Lovecraft). Llevar a imágenes todo ese catálogo de terribles criaturas deformes inimaginables, de prosa ominosa, siniestra, pesada como la losa de un sepulcro, repleto de libros malditos, olores nauseabundos y miedos atávicos. Tarea sólo apta para genios. En el terreno de los cómics la cosa no es tan trágica. Y encima está esa maravilla que son Los Mitos de Cthulhu de Alberto Breccia y Norberto Buscaglia.

Me he releído estas últimas noches el espléndido álbum que Sins Entido editó hace un par de años. Buff. Impresionante. El maestro Breccia juega con el blanco, el negro y un infinito de grises, manchas de trazos, expresionismo, bricolage, rozando la abstracción. Y lo consigue. Recrea todo ese bestiario imposible de recrear. Así son. Ahí están. Y Buscaglia adapta los textos de tal manera que parece que no falte nada, que uno está leyendo directamente los cuentos. Es sorprendente. Inesperado. Gozoso. Placer visual ante la plasmación de algo que habita en lo más recondito de la imaginación individual.

Los cuentos adaptados son un catálogo del mejor Lovecraft: El Ceremonial, La cosa en el umbral, La sombra sobre Insmouth, La Ciudad sin Nombre, El Horror de Dunwich, El Llamado de Cthulhu, El color que cayó del cielo, El morador de las tinieblas y El que susurraba en las tinieblas. Si han leído al genio de Providence imagínense lo que eso significa. Les dejo algunos enlaces: una entrevista con Buscaglia , una estupenda web dedicada a glosar las adaptaciones de Lovecraft al comic y les convoco a la Lovecraftiana de Satanasito.

B-ART : CARTELES DE WILLIAM GIRDLER

Hace unos pocos días les comentaba lo mucho que me gusta ese delirante coolzetismo que es Retorno desde la Quinta Dimensión y les prometía un B-art dedicado a los carteles de las películas de William Girdler. Tristemente desaparecido en un accidente de helicóptero mientras buscaba localizaciones en Filipinas, el señor Girdler era un artesano de la serie bé setentera y sin prejuicios. Soy de la opinión de que, en ocasiones, para saber si un director merece la pena basta con mirar los carteles de sus películas. Y creo que éste es el ejemplo perfecto. Me limitaré a apuntar muy poco sobre las películas, que de hecho no he visto en su totalidad (y de las que he visto algunas ni las recuerdo ya). Juzguen ustedes si mi teoría es cierta y decidan si es o no un director a rescatar del olvido.

Asylum of Satan (1972). Pura explotación que mezcla hippies con satanismo en fechas propicias para ello. La frase promocional no deja lugar a dudas: "Love Slaves of Satan tortured to blood-dripping death" o lo que es lo mismo "esclavas sexuales de Satán torturadas sangientamente hasta la muerte". Ah.. la explotación de clase zeta, siempre tan poética.

Three on a Meathook (1973). Ni más ni menos que la enésima recreación imaginativa y libre inspirada en la vida y milagros de Ed Gein. Sorprendentemente, a no ser que haya algún error por ahí, rodada con anterioridad a La Matanza de Texas, aunque la caratula de vídeo que antecede estas letras es obviamente posterior. El título del filme, por cierto, magistral: "Tres en el gancho de la carne".

The Zebra Killer (1973). Primera de sus blaxploitations. Cosa curiosa porque Grindler no era de color sino un blanco nacido nada menos que en Kentucky. Auqnue lo de definir la blaxploitation como "cine de serie b por y para negros" siempre ha sido afirmación muy a la ligera por lo que hace al "por". Como primera blaxploitation nos ofrece una de psichokiller urbanita. Explotación pura, pues.

Abby (1974). Su segunda aportación a la blaxploitation es ni más ni menos que la versión "negra" de El Exorcista. EL cartel deja una cosa bien clara: en terminos de maquillaje esta película promete el disfrute zinéfago.

Sheba Baby (1974). Su tercera y última aportación a la blaxploitation es la más conocida (de largo). Ni más ni menos que uno de los clásicos concebidos a la mayor gloria de la rotunda Pam Grier, aquí Queen of the Private Eyes.

Project Kill (1976). Que sea la más fea de las carátulas de este post ya debería decirlo todo. Esta película debe ser mala de cojones. Rodada bajo mínimos en Filipinas (al parecer se quedaron sin pasta a media película) y protagonizada por Leslie Nielsen en su etapa de esplendor zetoso, la cosa va de agentes secretos y control mental mediante drogas para usos militares. Por si aún tienen dudas respecto a su calidad: acabó siendo redistribuida en video por la Troma.

Grizzly (1976). Una de las más famosas explotaciones baratas de Tiburón. De entre las muchas bestias que asolaron las plateas por culpa de Spielberg, a Grindler le tocó lidiar con un oso asesino. De los dos carteles que les muestro de este filme el primero fue realizado ni más ni menos que por Neal Adams.

El día de los animales (1977). Y para terminar una serie B dedicada a la revuelta de toda la fauna en contra del ser humano. Tras la estela de Tiburon, una vuelta de tuerca directamente inspirada en Los Pájaros de Hitchcock: ahora son todos los animales los que nos atacan. Sobre el cartel... bueno... muy de bestiario naturalista de Feliz Rodriguez de la Fuente, aunque menos da una piedra. El recuerdo que tengo de este filme es mínimo y pésimo... ¿era Leslie Nielsen el que luchaba contra el oso?

¿DÓNDE ESTÁN MIS FÉMINAS LECTORAS?

versus

Pues ahí está la pregunta que me sacudió el otro día. Yo aquí celebrando un año en la burrosfera como buenamente puedo. Post tras post hasta la derrota final (ya les advierto que a partir de la semana que viene la cosa va a cambiar de modo impepinable, que este ritmo no podrá mantenerse). Pues eso. Que dónde están mis lectoras femeninas. Ese grupo de muchachas que me consta son hermosas e inteligentes. Descaradas y modernas. Vampiresas de la burrosfera. ¿Acaso hablar de películas de vampirismo que incluyen ritos satánicos eróticos no es lo suficientemente femenino? Porque lo es, y mucho. A las chicas les gustan los vampiros. Eso es de cajón. ¿Acaso hablar de Godzilla, con lo mono que es, es algo exclusivo del sexo masculino? ¡Disiento! Pero... si aquí hasta se muestra a absencito de vez en cuando. Un bebé. ¡Pero si eso debería disparar instintos! ¿O acaso el pajero varón tiene más desarrollado que la hembra el instinto de la maternidad/paternidad? Además, yo soy arrebatadoramente simpático. Pues nada. Ni una felicitación. Ni un comment. ¿Acaso es este blog ausente un reducto de virilidad bien entendida? ¿Un club sólo de chicos? Pues aunque fuera así, por fuierza debemos tener nuestras propias Susie Perkins. Estoy muy preocupado. De verdad.

Simpsonario (CCLXVIII)

Homicidio

La serie consta de numerosos delitos que parodian el género policíaco cinematográfico; por ejemplo en Bart de oscuridad, Bart está convencido de ver a Ned Flanders matando a su mujer, en un claro homenaje a La ventana indiscreta de Alfred Hitchcock. En ¿Quién disparó al señor Burns? Primera parte y Segunda parte todo gira alrededor del intento de asesinato del propietario de la central nuclear de Springfield. En el episodio El niño que sabía demasiado Freddy Quimby, sobrino del corrupto alcalde de Springfield, es acusado por la policía de golpear salvajemente a un camarero francés.

EL ESPANTO SURGE DE LA TUMBA (Y LA CANTUDO ES UNA ZOMBI)

Como ya me pasara ayer, me veo incapacitado de bautizar este texto con otro nombre que no sea el de la película. El espanto surge de la tumba. Buff. No me negarán que como título de filme de horror es una maravilla. Luego le he añadido lo de “y la Cantudo es una Zombi” porque la presencia de la actriz española, últimamente tan de moda en los programas de eso que llaman corazón (aunque a menudo carecen de éste) no deja de ser un elemento pintoresco. Y es que ver al entrañable Luís Ciges degollando con una hoz a Maria José Cantudo (ojo, en la versión uncut para el extranjero luego le descubre y toca una teta e incluso diría que sutilmente el plano sugiere un acto de necrofilia más contundente) tiene, pues, eso, un toque pintoresco. Y que luego salgan ambos haciendo el zombi ya ni les cuento... Bueno, sí, les cuento, que al fin y al cabo esto es una reseña de uno de los títulos más míticos del fantaterror hispano de los 70.

El Espanto Surge de la Tumba. Ni más ni menos que la primera película de la mítica productora Profilmes (intento de Hammer Zeta a l'espagnola) realizada al alimón por Carlos Aured y Jacinto Molina, es decir, Paul Naschy. En 1972. De hecho, es la opera prima de Aured, hasta ese momento ayudante de Leon Klimowski, y la verdad es que no lo hace nada mal. He revisado el filme infinidad de ocasiones pues, personalmente, lo considero una pequeña joya del horror de serie bé cañí. La peculiaridad del repaso de este fin de semana es que por primera vez he tenido el placer de ver la versión "uncut", la que se estrenó allende las fronteras españolas. La versión con desnudos que aquí, por cosas de la censura de la época, ni se estrenó en salas ni es la que se ha emitido por televisión (en Antena 3 o en el temático Alucine, por ejemplo). Volveré al tema de la doble versión más adelante.

Si afirmo que es una de mis películas españolas favoritas es porque sus virtudes son numerosas. Es cierto que, como mucho y siendo generosos, puede considerarse una modesta serie bé. Y que por tanto tiene carencias. Pero, jo, además de una lograda atmósfera (en la que la banda sonora a base de un funebre órgano, quizás algo repetitivo, tiene vital importancia), de una interesante nómina de hembras (Emma Cohen, Helga Line, Cristina Suriani, la Cantudo), de ser uno de los filmes pioneros en la cosa esta tan poco desarrollada del gore ibérico y de algunas resoluciones la mar de imaginativas (el traslado de la cabeza de Alaric de Marnac de la repisa al ataud donde descansa el resto de su cuerpo, por ejemplo), tiene un guión que es puro delirio pop.

Escrito, como era habitual por el mismo Jacinto Molina, éste siempre ha presumido de que lo realizó en tan sólo 24 horas. Quizá así se entiende que el resultado sea una perla más propia de un bolsilibro pulp que de una película. Y es que en el filme no falta de nada. A saber, y agárrense: ejecuciones mediavales de brujas, sesiones de espiritismo, violencia rural explícita, necrofilia, vampirismo, chicas en camisones transparentes recorriendo pasillos candelabro en mano, zombis, ritos satánicos, gore generoso, sexo perverso (en la versión “uncut” claro) e inesperados giros del guión. Con tanta cosa es lógico que las virtudes del filme se antepongan a los defectos de manera rotunda. Y además con cierto ímpetu pionero, recuerden que es de 1972.

Rodada en diversas localizaciones de la Sierra madrileña, especialmente Talamanca del Jarama, (donde al parecer los padres de Naschy tenían una finca) la cosa intenta pasar por ser una campiña francesa plagada de pueblerinos violentos. Si me lo permiten, les explico un poco de que va la cosa, pero sin desvelar demasiado. Tras una introducción medieval en la que se ejecuta por brujería a Alaric de Marnac y Mabille de Lancree (ambos maldicen a los descendientes de sus ejecutores, entre ellos otro Marnac) nos plantamos en el presente, en París, donde los descendientes y sus respectivas parejas resultan ser unos pijos burgueses de tomo y lomo a los que les da por hacer espiritismo e invocar a Alaric. El espírit de éste les revela donde descansan las partes de su cuerpo (la cabeza por un lado, el resto por el otro): en las afueras del monasterio y en la cripta familiar. Así que ni cortos ni perezosos los cuatro pijos se van a jugar a lo esotérico a la zona, que resulta plagada de aldeanos que se entretienen matándose entre sí y violando a las doncellas del lugar. Muy a lo Perros de Paja, que para algo la habían estrenado justo un año antes.

Así que desentierran un cofre con la cabeza de Alaric; lo consiguen gracias a las visiones de uno de los urbanitas parisinos, el pintor Andre Roland (encarnado por Victor Alcazar, que aquí se hace llamar Vic Winner) y a la mano de obra lugareña, concretamente un Luis Ciges (sí, el maravilloso actor tan querido por Berlanga) que por la noche la robará, abducido por el espíritu de Alaric, y llevará a la cripta, aunque por el camino, hoz en mano, aprovechará para cargarse a la Cantudo y cometer los actos impuros antes comentados.

Y ya la tenemos liada. Alaric resucita, secuestra a toda hembra que se le pone por delante, resucita a su querida Mabille (una Helga Line desatada) y lanza sobre los protagonistas una legión de zombis (Ciges y la Cantudo incluídos) mientras que su descendiente Hugo, el pijo parisino encarnado también por Naschy, aprovecha la falta de su novia (una de las secuestradas) para enrollarse con Emma Cohen, lugareña de buen ver que de golpe recuerda la existencia de un talismán, el Martillo de Thor (nada menos), que al parecer les protegerá de todo mal. Lo del talismán éste resulta muy curioso, no sólo porque no se hable de él hasta que es necesario (es decir, un par de segundos antes, cosas de los guiones escritos deprisa y corriendo) sino porque no se trata precisamente del habitual símbolo católico, apostólico y romano, sino que es pagano. Cosa curiosa ésta. Y ya no sigo destripando más. Jueguen ustedes al body count cuando la vean.

Naschy interpreta nada menos que tres papeles: el pérfido Alaric de Marnac, su episódico hermano traidor (tan sólo aparece en la introducción) y su descendiente Hugo, líder de los pijos parisinos que va de sobrado y de guaperas (cosa habitual en los papeles de héroe escritos por y para Jacinto Molina: que tocara el máximo cacho posible era casi obligado). El personaje de Alaric, claramente inspirado en Gilles de Rais, reaparecerá en un par de pelis más: El mariscal del infierno (ya comentada en este blog) y Latidos de Pánico, que espero poder visionar en los próximos meses para completar la trilogía, ya que estamos.

Y para acabar, el prometido comentario sobre las dobles versiones. Práctica habitual en el cine de horror hispano de la época. Muchos de estos filmes tenían dos montajes diferentes según su destino fuera el nacional, donde los desnudos aún estaban prohibidos por la censura, o el extranjero, donde la presencia de jamonas en carnes era un must indispensable, especialmente para mercados como el alemán, el japonés o el estadounidense. Es destacable que no pasara lo mismo con la violencia. El espanto surge de su tumba (Horror Rises fron the Tomb fue su título internacional), en términos de gore, es un filme destacable: decapitaciones varias, un destripamiento, un par de corazones arrancados y saboreados de cuajo y bastante sangre. Estas escenas permanecen inmutables en ambas versiones. No así las escenas de sexo. Y es una pena que mi copia de la versión española esté en vhs y no pueda capturar imágenes, que si no les montaba aquí una comparativa gráfica la mar de interesante. Así que sólo podré detallarles las escenas.

La versión "uncut" es generosa en cuerpos desnudos, y no sólo femeninos. Y claro, como es lógico gana mucho. En algunos casos nos encontramos con que las escenas prosiguen más allá de donde se cortan en la versión de consumo interno, por lo que la "uncut" dura unos cuantos minutos más. En otros casos lo que hicieron es rodar las escenas dos veces: una con las actrices desnudas o en top less, la otra con camisones (ligeritos y tal, eso sí). La cosa ya queda clara al principio: en la versión "uncut" a Mabille de Lancre (Helga Line) la cuelgan boca abajo en pelotas y se ven los pechos (ensangrentados). En la versión española ese plano desaparece y se pasa directamente a los títulos de crédito. Ya he comentado al principio como en el deguello de la Cantudo a cargo de Luís Ciges éste le descubre y manosea una teta y luego se coloca entre las piernas del cadáver, que está tumbado sobre una mesa. Este extraño plano permanece en la versión amputada, pero no lo de la teta, por lo que el sutil llamamiento a la necrofilia es mucho menos evidente. Las visitas nocturnas de Alaric de Marnac al dormitorio de diversas lugareñas son diferentes según la versión: top-less en la "uncut" (Emma Cohen incluida) y camisón generoso en la española. Helga Line cuenta con un desnudo integral frontal en su respectiva visita a un mozetón de la zona. A éste se le ve el culete en un par de ocasiones, por cierto, cuando sale de la cama y cuando se descubre el cadaver. Ni rastro, claro, queda en la otra versión. EN España aun pasarían algunos años antes de poder verse un desnudo frontal integral en una película. Así que el respectivo mordisco lo efectua Mabille vestida con su traje medieval.

Para acabar, los ritos satánicos de resurrección son mucho más jugosos y evocadores en la versión "uncut". Por un lado, para resucitar a Mabille Alaric coloca sobre el esqueleto de ésta, que reposa en el interior de su ataud, a una muchacha desnuda recien sacrificada. Lo llamativo es que luego Alaric se coloca encima, formando un extraño trío necrófilo que acaba con la resurrección de Mabille. La forma como Alaric de Marnac se coloca sobre el cuerpo recien sacrificado induce a pensar que parte del rito satánico incluye el acto sexual del brujo vampiro con el cadáver. Como es lógico, todo esto no se ve en la versión hispana de la misma manera que se escamotea al espectador la escena eróticamente más perturbadora de todo el filme, aquella en que Naschy y Helga Liné acarician, besan y mordisquean el cuerpo desnudo de la bella Cristina Suriani (lástima que casi no se le vean las tetitas). De nuevo un trío erótico vampírico, esta vez con la víctima viva. La cosa acaba con Mabelle arrodillándose ante la entrepierna de la Suriani mientras Alaric cubre los cuerpos con su capa. Fíjense ustedes qué cosas nos perdimos por culpa del régimen. Suerte de la mula.

B-ART : GODZILLA VS. MEGALON

Como ya avisaba ayer en la reseña de la película, aquí tienen un B-Art dedicado a los carteles de Gorgo y Superman se citan en Tokio. Para empezar, y como no podía ser de otra manera, justo encima de estas letras tienen el español, que es casi idéntico al japonés, aunque sin colorines psicodélicos de fondo. A continución encontrarán el alemán, que no es más que una variación, pero una variación inteligente y honesta ya que pone a Jet Jaguar, auténtico protagonista del filme, en primer plano. Lo del King Kong del título añade exotismo, pero los alemanes a menudo bautizaban al Gran G con el nombre del mítico gorila gigante.

En tercer lugar lo que creo que es la carátula de la edición alemana en vhs, que almenos es un dibujo simpático que no desmerece en vez del habitual fotomontaje cutre.

Y ahora, mi favorito, el norteamericano. La película se estrenó en EE.UU. algunos años más tarde, concretamente en 1976, justo tras el remake de King Kong de John Guillermin. Así que como reclamo exótico colocaron a Godzilla y a Megalon en lo alto de las célebres Torres Gemelas, que recordemos sustituían al Empire State en el citado remake. Visto ahora, lo de Godzilla subido en el tejado de los desaparecidos rascacielos resulta de lo más bizarro.

A continuación, el mexicano, que utiliza una de las fotos de familia promocionales del filme. Además del título que allí le pusieron, un hermoso Titanes Planetarios (que además era el nombre de una de las colecciones de Novaro dedicada a personajes de la DC), destaca especialmente por las frases publicitarias que encabezan el cartel: "Monstruos vs. Monstruos, Robots vs. Robots, Por la Conquista del Continente Perdido". Mis admirados mexicanos eran unos cracks en esto de la frase pop promocional.

Y para terminar, uno de los carteles italianos. Un curioso fotomontaje que da la importancia que se merece a la bicicleta acuática que aparece al inicio de la película. Una bicicleta acuática para niños que, como dije, es toda una advertencia para los aficionados a Godzilla más sibaritas.

Vidas Ajenas (VIII)

Daniel Fernandez era un fanático de las películas de Godzilla. Disfrutaba con ellas, acudía una y otra vez a los cines en que se proyectaban y soñaba con, algún día, encarnar al monstruo. Estudiaba sus movimientos, los anotaba, memorizaba y pasaba horas ante el espejo imitándolos. Todos los fines de semana visitaba el zoológico con el objeto de estudiar comportamientos animales. La quietud de los reptiles, la mirada esquiva de los pájaros, la actitud fiera de los mandriles. Luego, añadía esos detalles a su recreación frente al espejo del monstruo japonés. En 1970 deja su trabajo como administrativo del Banco de Vizcaya e invierte todos sus ahorros en un viaje a Japón. Tras muchos intentos infructuosos consigue una entrevista con los esquivos directivos de la Toho. Quedan sorprendidos por la naturalidad de sus movimientos pero le rechazan al considerar que sólo un japonés puede encarnar a Godzilla. Tampoco le aceptan para otros papeles secundarios. Consideran que lo perfecto de su actuación ensombrecería a su estrella. Además, exigen experiencia en el arte del teatro kabuki, algo de lo que Daniel, obviamente, carece. Regresa arruinado a España pero la suerte, por una vez, le sonríe. En 1974 empieza a colaborar, encarnando al inocente gorila Konga, en el programa de Televisión Española La Hora de Chucherías, protagonizado por el grupo infantil Chucherías. También colabora en el largometraje Chucherías en el Castillo del Conde Drácula, en el papel de monstruo de Frankenstein. Seducido por la cantante líder del grupo infantil, Lolita Borrego, completamente formada como mujer pese a sus dieciseis años de edad, inicia con ella una serie de intensos y apasionados encuentros sexuales, siempre disfrazado de gorila a petición de la muchacha. Los padres de Lolita descubren y denuncian la situación a los productores de la serie y Daniel es despedido, aunque el escándalo nunca se hace público para no dañar el futuro de la joven artista. Lócamente enamorado, inicia una adicción al alcohol que le sumerge en los abismos de la depresión y la mendicidad. Se recupera gracias a un contrato para hacer de Cinecito en la entrada de algunas salas de cine y en la actualidad trabaja en Las Ramblas de Barcelona disfrazado de osito Winnie de Pooh ofreciéndose para fotos con turistas, bajo un sol de justicia. “Estoy firmemente convencido de la inocencia de Michael Jackson” es el mensaje que desea enviar a todos los internautas de habla hispana.

Simpsonario (CCLXVII)

Homermanías

Entre los alimentos preferidos por el cabeza de familia, a parte de las costillas y los donuts, hay que recordar los pistachos, los canapés, los hot dog, el chocolate y las tartas; las bebidas más usuales son las cervezas Fudd y Billy, después de la Duff por supuesto, y también la Buzz Cola; sus deportes son el fútbol, el hockey, el béisbol, el golf y el minigolf; en cuanto a los músicos los que más le gustan son Los Sol-Fa-Mi-Das, sobre todo porque fue uno de sus componentes; Octopussy de John Glen, con Roger Moore en el papel de 007, es su película favorita; sus amigos son casi todos sus conciudadanos, mientras que entre sus enemigos hallamos a Burns, Ned Flanders, George Bush Sr. y Frank Grimes.

TARZAN ES GILI E ICTINEO EL CHICO PEZ DE LA I.P.C.

Bueno, Tarzan es gili... no. Es al revés. El Tarzan de Gustavo Gilli. Disculpen el chiste fácil. No he podido resistirme. Verán ustedes. Yo ya les avise un día de agosto que el señor Roberto (a mi me gusta llmarlo don Sanata, pero bueno) estaba haciendo cosas maravillosas sobre Tarzán y sus miles de clones en su (maravilloso) blog. Un glorioso abezetadario de clones y muchas más cosas. La cosa fue que vi que estaba subiendo portadas de las viejas ediciones de las novelas de Tarzán editadas por Gustavo Gili hace cincuenta años. Yo conservo algunas de ellas y me ofrecí a escanear esas cubiertas para que entre las suyas y las mías saliera una cosa bonita. Yo es que no sé que tienen esas portadas que me encandilan desde pequeño. Al fin y al cabo eran de mis tíos y yo no cejé hasta que me hice con ellos, los libros, ya de pequeño. Supongo que es cosa de ese falso color aplicado a fotogramas de filmes del rey de la jungla de serie B. Yo es que me temo que soy pajero desde bien pequeño. Pues eso, que galería de portadas la encontrarán en este post de Árboles Muertos y Mucha Tinta.

La cosa es que mi feliz (porque la he hecho con la felicidad en el rostro) colaboración no ha acabado aquí, ya que a los pocos días he acabado por enviarle las portadas de los números de Selecciones Vertice protagonizados por Ictineo, es decir, Fishboy, el clon acuático de la IPC/Fleetway, aprovechando su presencia en el abecetadario. En esta ocasión encontrarán las encontrarán aquí. Por cierto, a mi blogia tarda en cargarme. Lo digo por si acaso es cosa general y son ustedes impacientes. Espero que estos b-arts delegados sean de su agrado. Son del mío. Y sobre lo de Fishboy... Bueno, es el segundo adelanto gráfico de algo que está por llegar.

GORGO Y SUPERMAN SE CITAN EN TOKIO

Pretendo que esta semana de fastos del primer aniversario del Blog Ausente sea intensa. Con muchas actualizaciones y reseñas variadas que sean un recorrido por lo que esto es y quiero que sea. En ese contexto no podía faltar la obligada visita a la filmografía de Godzilla. Además, el destino ha querido que le toque el turno a uno de los productos más zetosos de la serie, la mítica Gorgo y Superman se Citan en Tokio, en realidad, Gojira tai Megaro, usease, Godzilla versus Megalon.

Hasta ahora, he venido bautizando los textos de estas revisiones con algún título que, sobre todo, busca ser divertido y gracioso. En cambio, este post se titula como la película. Y es que, sinceramente, me siento incapaz de mejorarlo. Cire Films, el distribuidor español de la época, concibió un título hispano que es una joya insuperable, y eso que con lo de la entrega anterior, Galien, el monstruo de las galaxias ataca la tierra, ya habían estado cerca de la magia del título explotador perfecto. Pero es que lo de Gorgo y Superman se citan e Tokio, insisto, es una de esas maravillas irrepetibles que sólo se daban en los cines de barrio de los Setenta. Godzilla es rebautizado como Gorgo, posiblemente porque la película sobre éste, Gorgo, se había reestrenado justo un poco antes con cierto éxito en las dobles sesiones. El hecho de que la película británica de Eugene Lourie fuera una especie de variación del primer Godzilla, y que éste, a su vez, fuera en parte un remake de El monstruo de tiempos remotos, dirigida por el mismo Lourie en 1953 (con efectos del gran Harryhausen) resulta, en su conjunto, hasta poético.

Lo de llamar Superman a Jet Jaguar, un robot a imagen y semejanza de los Ultraman y Mazinger Z, ya es más complejo. Cierto es que en España se estrenaron algunas películas de la saga del nipón Supergiant (conocido como Starman en USA) rebautizado a Superman. Es el caso de Superman contra la banda negra, por ejemplo, pero no se trataba precisamente de un robot y ya habían pasado algunos años. Tampoco se puede acudir a la fastuosa producción de Richard Donner sobre el superhéroe de la DC porque aún faltaban algunos años para que llegara a las pantallas. Así que divagar el porqué del Superman en el título es tarea imposible. Lo má sprobable es que en Cire Films alguien dijera “¿Y cómo llamamos al robot?” y alguien respondiera “Pues Superman, coño”. Y todos tan contentos.

Pese a ser uno de los títulos de la saga más odiados por los fans, lo cierto es que en nuestro país es de los más conocidos y recordados. En parte porque un título así es de los que no se olvidan; y en parte porque fue programado hasta la saciedad en miles de programas dobles, cines de barrio, de pueblo, de verano y de colegios. Yo, que rondaba los diez años cuando la película inició ese glorioso recorrido popular, la vi... yo que sé... decenas de veces. Y debo reconocer que disfrutaba como un enano. Yo y el resto de la chiquillería allí reunida. Todos juntos, como gremlins bulliciosos que jaleaban, aplaudían, gritaban, reían. En definitiva: la disfrutábamos como posesos pese a sabérnosla de memoria. Este comentario nostálgico es importante porque marca una de las virtudes de la película. Así que si ustedes son de los que consideran que es éste el peor de los títulos de Godzilla, lo siento. No estoy de acuerdo. Disiento. Mantengan la calma. Intentaré explicarlo.

En este proceso de revisión que estoy llevando a cabo, como celebración del cincuenta aniversario del nacimiento del más grande de los saurios radioactivos, de momento hay dos títulos que son peores para mí: La isla de los monstruos y Galien. Luego vendría éste de hoy (de momento). Por lo que no sería el peor Godzilla sino el tercer peor Godzilla. Dicho esto. Insisto en que la chiquillería disfrutaba con la película. Y estoy convencido de que aún hoy se la pones a un niño de ocho o nueve años y la disfruta. Soy de la opinión de que los niños no son estúpidos e incluso tienen buen gusto. Cuando un niño ve una serie de dibujos de mala calidad lo reconoce de inmediato y hace zaping buscando aquella otra que le gusta más. Y normalmente la que le gusta más siempre es mejor que la otra. Si los niños disfrutan con Gorgo y Superman es que algo tiene. Si yo y cientos de mis coetáneos generacionales la recordábamos como algo mítico, nos la sabíamos de memoria y acudíamos al cine una y otra vez, es por algo. Ahora bien, la película sólo puede ser disfrutable en clave infantil. Carece de cualquier otro tipo de nivel de lectura. Enfrentarse a ella como adulto no lleva a ningún sitio. En clave adulta la película roza la subnormalidad. La profunda. Así que el gran defecto al que se asocia el filme, ser el paradigma de la infantilización de Godzilla, es, en realidad, su ¿única? virtud. Como película infantil sin prejuicios funciona a las mil maravillas.

Así que ahí estaba yo. Delante del magnetoscopio. Dispuesto a regresar a Gorgo y Superman se citan en Tokio treinta años más tarde. Con un recuerdo simpático en la memoria y mucho miedo. Ahí estaban las primeras imágenes: pruebas nucleares que molestaban a los monstruos en su isla (con imagenes de Rodan y Anguiras procedentes de otros filmes anteriores, como era habitual). Y luego el niño en su bicicleta acuática de patitos a punto de ser engullido por un lagomoto (que digo yo que un maremoto en un lago será un lagomoto, ¿no?). Que lo primero que veamos tras los títulos de crédito sea un niño en un extraño artilugio acuático es algo que a cualquier fan del buen Godzilla pone a temblar. Es cierto. Pone a temblar.

Resulta que las pruebas atómicas amenazan una civilización submarina oculta. En concreto Aquatopia (Seatopia en el original). Descendientes directos del antiguo Imperio de Mu, que desapareció sumergido bajo las aguas; en realidad sobrevivió gracias a burbujas de aire submarinas. Concretamente bajo la Isla de Pascua. Y allí vivían felices hasta que los humanos terrestres nos pusimos a jugar con las bombas atómicas, poniendo en riesgo su civilización. Los aquatopianos, que visten como griegos sodomitas, tienen rasgos occidentales u orientales al buen tun tún y habitan un decorado propio del casino de Las Vegas más hortera, deciden resucitar al monstruo Megalon y lanzarlo a destruir Tokio. Para resucitar al bicho requiren, primero, un coro de bailarinas con transparencias danzando a cámara lenta. Y luego, como parece que el Megalon éste (una especie de cucaracha gigante de pesadas extremidades torno rocosas y cabeza coronada con una estrela de Belén que lanza rayos fosforitos) carece absolutamente de sentido de la orientación, necesitan a alguien que le guíe. Será Jet Jaguar (es decir, Superman).

Pero antes de proseguir con el breve repaso argumental, me gustaría llamar la atención sobre algunos detalles de lo dicho hasta ahora. Como ven, la película retoma uno de los grandes temas de la saga, el peligro atómico, que últimamente estaba algo olvidado (en Hedorah el peligro era la contaminación, no la radioactividad). Eso sí, el punto de partida toma vericuetos generosos en estupidez argumental: si las pruebas las hacen los norteamericanos ¿por qué coño el plan de los aquatorianos para eliminar la amenza atómica se limita única y exclusivamente a lanzar a Megalon a destruir Tokio (a la que no llega nunca, por cierto, ni él ni los que se citan en el título). Por otro lado, en un giro argumental que roza el surrealismo casual: coño, pero si los buenos de la película son los aquatopianos. Es decir, los pobres se defienden como pueden contra una amenaza que es el mensaje de la película. Si las pruebas nucleares son malas digo yo que los que se oponen a ellas (mediante un ataque preventivo a lo Bush, dicho sea de paso) son los buenos. Pues no. Son los malos. Pura incoherencia.

Dicho esto, retomo el argumento. La película empezaba con niño. Y continua con él. Con él y sus dos tutores. O algo así. Dos inventores que viven juntos en un chalét de estética hipermoderna y muy cool. Un chalet de montaña a lo Mies Van Der Rohe repleto de adornos pop. Coleccionistas de vistosos automóviles descapotables. Dos treintañeros y un niño. En ningún momento se explican sus vínculos familiares o sentimentales. Así que déjenme ser malpensado. AL fin y al cabo excepto las bailarinas camp no sale hembra alguna más.



Pues eso, que los dos ingenieros presumiblemente gays, hasta que alguien me demuestre lo contrario, andan construyendo un robot. Jet Jaguar. Robot alegremente decorado con franjas de colores (creo que si buscan el simbólico arcoiris lo encontrarán) y de construcción genuinamente artesana. Pura bricomanía con soplete. Que luego éste sea capaz de volar, multiplicar por diez su tamaño o cobrar independencia, como buena intelgencia artificial que es, son detalles para quitarse el sombrero ante sus creadores.



Pues bien, los habitantes de Aquatopia necesitan del robot para que guíe al descentrado Megalón hacia Tokio. Esta es la horrorosa (y larga hasta la extenuación) trama humana del filme: el robo del robot vía secuestro del niño, el rescate y el cómo los inventores consiguen recuperar de nuevo el control de Jet Jaguar. La trama incluye el uso de un avión de juguete teledirigido directamente contra el rostro de uno de los malos, que acaba sangrando tirado por los suelos. Todo un ejemplo de los peligros de la jugueteria por control remoto en manos de irresponsables.

Jet Jaguar lo primero que hace, una vez liberado de su abducción, es acudir en busca de Godzilla, y mientras éste llega (nadando, como casi siempre) se lía a hostias contra el acucarachado Megalon. Como las cosas se ponen chungas los aquatopianos pedirán la ayuda intergaláctica de Gigan, el bizarro Galien de la entrega anterior de la serie. Así que ya tenemos montado el gran recital de lucha libre a dos bandas: Jet Jaguar y Godzilla contra Megalon y Gigan. Las peleas, realmente, no son, en absoluto, para lanzar cohetes y se parecen más a un combate de lucha libre mexicana que a otra cosa; se aprovechan algunos trozos de Godzilla versus Gigan (efectos de sangre a chorro incluidos) y se ambientan en esos páramos desérticos en que se han convertido los escenarios de las películas de Godzilla. Los monstruos, por cierto, hablan entre sí con un lenguaje de signos propio del personal de un aereopuerto. Sólo les faltan las banderitas. Y Jet Jaguar y Godzilla se abrazan, saludan y dan la mano siempre que tienen ocasión, acabando de redondear la subtrama subconscientemente gay del filme.



De destrozo urbano haberlo, haylo. A cargo de Megalón, que en su despiste y falta de orientación va destruyendo refinerias y edificios (en realidad sacadas de las películas de Gidorah y Hedorah, es decir, la misma refineria que vemos destrozar película tras película), bosques (sacados de La batalla de los simios gigantes, y no es la primera vez) y una presa, en la mejor escena de efectos especiales del filme. Este es otro dato a tener en cuanto cuando se dice que ésta es la peor película. Al menos incluye una buena escena de destrozo maquetil expresamente rodada para el filme, cosa que no pasaba en las entregas inmediatamente anteriores.



También suma el deseo de dar algo pelín diferente, aunque no mucho: los invasores no son extraterrestres sino infraterrestres (concretamente subacuáticos, idea que no era nueva en el kaiju ya que retrotrae a la maravillosa Atoragon de Honda) o el hecho de sustituir a Gidorah por Galien como monstruo galactico, ya que las apariciones del Dragon de tres cabezas estaban resultando penosas a nivel de efectos especiales, además de reiterativas. Y para hacer el paripé de ida y vuelta espacial mejor el bizarrito gallináceo de Gigan (Galien).

La otra gran novedad es la presencia del nuevo amigo de Godzilla, el robot Jet Jaguar. En realidad el verdadero protagonista del filme. Y es que Godzilla entra en acción cuando sólo quedan veinte minutos de película. Algo que lógicamente saca de sus casillas a cualquiera: ver como nuestro saurio radioactivo favorito se convierte en un mero secundario de lujo. Eso sí, se saca de la manga una nueva técnica de combate, la patada a distancia desplazándose con su cola.



Además, la inclusión de Jet Jaguar no es más que un intento de relanzar la saga aprovechándose del éxito de los televisivos Ultraman y Mazinger Z, especialmente de éste último, cuya serie de animación era en esos momentos un éxito a nivel mundial en su primer año en antena. Para rematar la faena, el tema musical estrella del filme (en un banda sonora que ya de por sí produce de urticaria a base de lounge aflautado) está dedicado al robot. Una canción terrible, de esas que tanto gustan a los otakus. A mí se me pone la piel de gallina cada vez que recuerdo lo de “Sora ni Hayaku, San na Taiyo, JET JAGUAR! JET JAGUAR!”.



En definitiva, que la saga de Godzilla se encontraba ya inmersa en plena decadencia infantiloide. Lejos de aquellos títulos míticos de Inoshiro Honda. Su sustituto, Jun Fukuda, no daba una derechas. Los efectos y las maquetas eran penosos. El presupuesto y la imaginación, bajo mínimos. El corta y pega de escenas de otras películas, desvergonzado. Pura serie Zeta. Y aquí me paro de momento. Regresaré a la saga con la siguiente entrega: Cibergodzilla, Máquina de destrucción. En unas semanas en este Blog Ausente. No falten a la cita.

Ir a B-Art de carteles de la película

Simpsonario (CCLXVI)

Homer

Homer J. Simpson, treinta y seis años, oriundo de Carolina del Norte, es el cabeza de familia de la familia Simpson; marido de Marge, padre de Bart, Lisa y Maggie; después de intentar ser contratado en la bolera del barrio (como se rememora en el episodio Y con Maggie tres), hace años que trabaja en la central nuclear de Springfield como responsable de la seguridad del sector 7G; a pesar de haber practicado muchos hobbies en el pasado (entre ellos la música, como se recuerda en El cuarteto vocal de Homer), actualmente está interesado sólo en la cerveza, la comida y la televisión; a menudo estos tres placeres están ligados entre sí; estirarse en el sofá, beber Duff, comer rosquillas delante de la pequeña pantalla están entre las actividades más frecuentes, no solamente de Homer, también en el imaginario del norteaamericano medio. Sin embargo, es la comida la que le atrae mayormente y la que le produce mayor satisfacción: sus preferencias, además de los dulces, van encaminadas hacia los productos envasados y en general hacia la comida basura, sin renunciar al plato típico de la tradición doméstica estadounidense como son las costillas de cerdo. Homer, inconscientemente, es anárquico, revolucionario y destructivo porque en la realidad de los hechos consigue desmoronar el orden social. Este trastorno, sin embargo, ocurre exclusivamente por la estupidez, la contradicción y el infantilismo que, al mismo tiempo, se ocultan y manifiestan en él. El caso es que el hombre parece recurrir por sistema al error gigantesco en relación con la mujer, con los hijos, con los amigos, con los objetos y con mundo concreto. En este sentido, a nivel de estilo narrativo, los episodios protagonizados por él, resultan ser los más tortuosos, estratificados y desestructurados. Homer es un laberinto y como tal, el personaje protagonista más interesante.

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NOTA: El Dr. Benway escribió hace bien poco este post sobre Homer, que incluye una relación exhaustiva de todos sus oficios y trabajos.

SUNDAY MONSTER : ATLAS ZOMBIE II (SIMON GARTH)

Recupero, como parte de los fastos del primer aniversario de este blog ausente, la sección dominguera dedicada a las historietas de horror y sus monstruos. Para la ocasión una de mis favoritas de todos los tiempos y segundo de los cuentos de terror protagonizados por zombies de la editorial Atlas, que con el tiempo acabaría siendo la Marvel.
Zombie! se publicó en el número cinco de la colección Menace, allá por 1953. Historietas de zombis hubo muchas en esos años. Estaban los zombis obedientes renacidos gracias a los ritos vudú y los vengativos que regresaban de su tumba para liquidar al culpable de su muerte (normalmente el esposo o esposa infiel y su amante). Crimen pasional y violencia postmortem. La historieta de hoy cae de lleno en en el primer subgrupo y sigue el esquema habitual, al fin y al cabo el guión era del Stan Lee de esa época, que conocía muy bien el patrón a seguir para que las historietas de horror salieran como churros.

Pero las virtudes de la que hoy he seleccionada son variadas. La historia, en principio, es tan rutinaria como puede ser cualquier cuento de zombis. El amo, regordete y ruin, lo controla con un muñeco, lo maltrata, le hace cometer delitos hasta que lo envía a secuestrar a una hermosa muchacha. La relación pasada del muerto con ésta (que no pienso desvelar) hará que el monstruo gire sus pasos y vaya a por el amo. Una de las virtudes es la narración en los recuadros de texto, que no es la habitual, objetiva y desnaturalizada. Tampoco es en primera persona (eso llegaría más tarde) pero casi. Es como una voz que va explicando sus actos al zombi. Se dirige a él y no al lector. La gran virtud de la historieta está, y de que manera, en la parte gráfica. Bill Everett era uno de los grandes dibujantes de la época. Famoso por sus personajes de aspecto delicado (el Namor y el Marvel Boy de la Edad de Oro), sus lápices eran ricos en detalle, claridad e imaginación, y la narrativa espléndida para la época. Y esta historieta es buena muestra de ello. Viñetas como las que sitúan la acción en el Mardi Grass (al fin y al cabo Nueva Orleáns es una de las capitales del vudú); la irrupción, con ese crash esplendorosamente pop, del zombi en la habitación de la (bella) muchacha o el panel del primen crimen que lleva a cabo son, a mi juicio, primorosos.

Como nota curiosa e histórica es obligado comentar que esta historieta fue recuperada veinte años más tarde por Marvel y convertida en el origen del personaje zombi de la editorial, Simon Garth, en la época de los Setenta en que se pusieron de moda los magazines de horror en blanco y negro. El primer número de Tales of the Zombie la reeditaba como segunda parte del origen de Simon Gart, habiendo en el mismo tebeo una primera en la que se explicitaba el rito vudú de su resurrección y una tercera que replanteaba la situación con el zombi liberado de su amo y dispuesto a arrastrarse por el mundo como muerto viviente.