CRÓNICAS DE SITGES 2011 (XXXVII) : EL POST ESCOBA LLEGA CON RETRASO

Uno de los spots de Sitges 2011 que se proyectaba antes de las películas, el mejor de todos, mostraba a una pobre mujer que tras levantarse ojerosa y mirarse al espejo, contemplaba a su escuálido esposo en calzoncillos cortase las uñas de los pies. Tan tremenda visión le provocaba una crisis de combustión espontánea, ese fenómeno paranormal tan poco reivindicado pese a su asombrosa naturaleza. A continuación aparecía una acertada afirmación para un festival de cine fantástico: la realidad nos mata. Pues sí, la realidad nos mata, y de qué manera. Tras pasarme diez días en Sitges de sala en sala, de peli en peli, de conversación en conversación, siempre buscando algún hueco para escribir estas mis crónicas, que se conciben urgentes e inmediatas, la fiesta terminó, la terrible y asesina realidad me atrapó y me quedaron unas cuantas crónicas pendientes. Así que toca recuperar el tiempo perdido y, para zanjar el tema de una vez, todas juntas y de golpe.

JUAN DE LOS MUERTOS

Una película de zombis cubana a las ocho y media de la mañana. De entrada no parece un gran plan, por mucha curiosidad que despierte el asunto. Pero ahí estoy, duchadito y con un café doble, en peregrinación hacia el cine. Y oigan, lo cierto es que la película me entró suave suave, me reí, pasé un buen rato y se ganó todas mis simpatías. Lo cierto es que dentro del subgénero zombi resulta toda una curiosidad, más por su exotismo que por lo que cuenta, ya que no es más que una versión caribeña y salerosa de Shaun of the Dead, título clave y fundamental en el actual y prolongado renacer de los muertos que andan. En Juan de los muertos la infección zombi llega a La Habana, pero, como dice su protagonista, el resultado no altera demasiado en lugar, que está igual de siempre. La peli alterna el humor negro con el humor grueso de raíz cubana, mientras se permite los habituales chascarrillos sobre la situación social y política de Cuba, algo que puede sorprender a quien piense que allí no se puede hacer humor sobre eso. Pues no sólo se puede, sino que se puede jugar a la metáfora zombi, esa ficción subcultural tan propia del siglo XXI y del post 11-S. También es una película que está muy bien hecha, con una factura para nada cutre o barata, que es algo que se podía temer, y que tiene la virtud de que cuando las peripecias del grupo de supervivientes pícaros y truhanes empiezan a resultar repetitivas se acaban, y encima con unos excelentes títulos de crédito animados. Vamos, que como curiosidad zombi, ésta merece nuestra atención, simpatía y amor.

EL PÁRAMO

En una mañana de tintes hispanoamericanos, tras el desparpajo cubano nos llegó una ración de claustrofobia y depresión colombianas (en coproducción con Argentina y España). No negaré que la película tiene buenas intenciones y una esforzada labor de dirección, y que busca crear desespero, malestar y claustrofobia, pero deja tan pocos resquicios de aire y se excede tanto en la repetición de gritos y primeros planos que acaba por cansar, y mucho, al menos ese fue su efecto en mi maltrecha condición de espectador cinéfago en pleno atracón festivalero, a esas alturas bastante fatigado. Además, la historia de un grupo de soldados sitiados en una trinchera envuelta por la niebla que, ante la amenaza de una posible bruja que ha liquidado a los anteriores ocupantes, empiezan a deslizarse por los abismos de la locura para acabar matándose entre ellos víctimas de sus demonios interiores, los propios de unos soldados envueltos en un cruento conflicto bélico... esa historia, como digo, aquí en Sitges, en la última década la hemos visto ya un par de veces, y siempre con el mismo resultado, aburrimiento incómodo. La variación, en este caso, es que el conflicto es la lucha contra la guerrilla colombiana y, por tanto, tiene una carga de denuncia social que va más allá del mensaje antibelicista ambientado en una guerra mundial ya pasada. Además de referenciar a la Bruja de Blair sin ser, en este caso, una pieza de falsa telerealidad.

TROLL HUNTER

La falsa telerrealidad, de hecho, estaba a la vuelta de la esquina con una destacable producción noruega. Un equipo de reporteros en busca de cazadores furtivos de osos topa con otra cosa muy distinta, un funcionario encargado de evitar que los Trolls que pueblan los bosques nórdicos sigan allí, sin los límites forestales. O lo que es lo mismo, los trolls existen, comen carne humana si pueden (especialmente si es católica) y una agencia gubernamental secreta se encarga de controlarlos y exterminarlos si es necesario. Dentro del género de la falsa telerealidad resulta una pieza a tener en cuenta por lo inverosímil de su propuesta, por ir al grano y por su sentido del humor, virtudes nada despreciables en un formato narrativo tan contemporáneo como concurrido.

EL CALLEJÓN

A ver cómo enfoco esto, ya que Antonio Trashorras es amigo y su película debut tiene buenas intenciones y numerosos guiños al cine que me gusta. Las buenas intenciones son evidentes: estética eurotrash, iluminación a la Bava (más Lamberto que Mario) y un guión que va girando la tuerca hacia la sorpresa final. Y a eso añadan los títulos de crédito finales más descaradamente pOp que he podido disfrutar en mucho tiempo. También la sombra Brian de Palma corretea por ahí, y no solo por el buen uso de la fragmentación de la pantalla. La película, además, no rehúye el riesgo y asienta buena parte de su trama a partir de un largo diálogo entre sus dos protagonistas (ahí es brillante), y en un marco casi único, una solitaria lavandería automática. Pero hay algo que me falla. Quizá un detalle narrativo que me resultó confuso (la ropa interior ensangrentada que aparece en una lavadora) aunque igual es buscado o yo estaba ya cansado; quizá una falta de erotismo explícito (y más en una peli tan euro-voyeur como ésta) o quizá que el flashback del final me resultó algo ñoño. Aún así, es justo reconocer que la película es un sincero y entregado acto de amor al género de terror y al cine de serie bé que tanto me gusta.

THE THING

Uno de los platos fuertes, desde el punto de vista mediático y mainstream, seleccionado para la gala de clausura. Es curioso, yo vi The Thing, la de Carpenter, en su estreno en Sitges, inaugurando el certamen de 1982, si no recuerdo mal. Y fue un impacto, claro. Veinte años después nos llega el remake, en forma de precuela, aunque no debemos olvidar que ya la hoy llamada clásica u original era a su vez un remake de la reivindicable y hawksiana El enigma de otro mundo, a la que la nueva también revisita con algún guiño que otro. La película, que ya se ha estrenado, está bien, entretiene, aguanta el tipo e incluso procura un festival de efectos especiales a la vieja usanza, que siempre es de agradecer; pero claro, es que la de Carpenter era muy buena y ahí cualquier batalla o comparación está perdida. Y de hecho es una falsa precuela, porque por mucho que sitúe la historia cronológicamente antes que aquella o que evite fotocopiar alguno de sus mejores momentos, en ocasiones evitándolo con cierta gracia, no deja de ser un remake camuflado que se entrega a los aciertos ajenos, los del clásico del Carpenter.

DRIVE

Quien me iba a decir a mí que el autor de la insufrible Valhalla Rising (hablo por mí, que tiene sus fans) me iba a regalar con su siguiente película tamaño disfrute cinematográfico. Drive, adaptación de una novela de James Sallis de la que todo el mundo me habla bien, es un noir bellísimo e impepinable, un peliculón que me dejó en estado de éxtasis. Parca en palabras, tanto como su protagonista, y excelsa en su narrativa visual, John Tones la definió a la perfección con un mensaje de twitter: “personajes de los setenta, ambientación de los ochenta, intenciones actuales, una maravilla que me atrevo a calificar de ETERNA.” Esta historia de un conductor profesional que se gana la vida trabajando como especialista cinematográfico y que se saca un sobresueldo participando en atracos flota en una extraña languidez, a ritmo de sintetizadores ochenteros, sacudida por conatos de inusitada violencia. Hay una escena que me tiene robado el encéfalo, la del ascensor, aquella en la que inmediatamente tras el esperado beso de amor puro y ñoño se desata un acto de violencia física seca u brutal. Eso es Drive, un brillante juego de contrastes encajado en los códigos genéricos de la serie negra y musicado con canciones como esta. Un gozo absoluto.

KILLER JOE

Tras Drive, otro thriller contemporáneo de raíces setenteras. La sesión sorpresa menos sorpresa de la historia de Sitges (las pistas dadas en la rueda de prensa de presentación no dejaban dudas) suponía la recuperación de una figura clave del Hollywood de los 70, es decir, de cuando el mainstream se dejó pasear por rincones oscuros justo antes de abrazar el ánimo infantil que hoy lo domina. Hablamos de William Friedkin, que ahora abraza su condición de outsider, de perdedor al margen del sistema, para adaptar una obra de teatro que es un auténtico bofetón a la corrección política. Mala leche, humor negro y provocación. Con estas cartas se gana a un tipo como yo mientras se condena voluntariamente al ostracismo de lo subterráneo. Cuando una película se inicia mostrando el parrús de Gina Gershon, las intenciones están claras. Si luego describe a una familia de palurdos White trash dispuestos al asesinato, sitúa a una deficiente borderline como objeto sexual (que encima es menor) y regala una felación fingida y violenta con un muslo de pollo frito (que quedará por siempre en mi retina), yo se le perdono todo, hasta el exceso de puesta en escena teatral de la que Friedkin no puede escapar.

TATSUMI

Me despedí de Sitges con el largometraje ganador de la sección Animat, una película de enorme interés para los aficionados al mejor cómic. El título lo dice todo. Tatsumi es, claro, Totshihiro Tatsumi, uno de los padres del gekiga, movimiento manga que buscaba la historieta para adultos (pero de verdad, porque siempre que se escribe historieta para adultos uno piensa en tebeos de tetas y traseros). La película toma fragmentos de la indispensable autobiografía del genial autor japonés (aquí editada por Astiberri con el título de Una vida errante) y los jalona con la adaptación de media docena de historietas breves, justo aquellas que traspasaron las fronteras del cómic japonés y aterrizaron en las más inquietas revistas de comix de los 80s. Aquí, por ejemplo, se publicaron en El Víbora cuando lo del manga era más una leyenda urbana que otra cosa y Tezuka un absoluto desconocido. Tatsumi, una modesta delicia, no es, curiosamente, un anime japonés sino una coproducción entre Singapur e Indonesia y su animación es bella por humilde, tomando directamente las viñetas de Tatsumi y dándoles vida con ternura y respeto.

DESPEDIDA Y CIERRE

Y esto es todo. A estas alturas los premios ya son cosa pasada. Yo, como siempre, he disfrutado una barbaridad y pone muy contento ver que Sitges es, probablemente, el Festival de cine más popular del mundo. Casi todas las sesiones estaban repletas de un público entregado, y eso no tiene precio. Como atracón de cine, es un maratón físico y mental en la que yo, como espectador, vivo con entusiasmo pese a sufrir etapas de montaña y pájaras diversas. En la recta final me decía que quizá era un Sitges más flojo que otros años y entonces llega Drive y me desdigo y pienso que no, que ha sido un Sitges estupendo aunque quizá algo parco en experiencias extremas. No me quejo y lo comprendo. Con el escándalo serbio del año pasado y con nuevos políticos estrenándose en ayuntamiento y Generalitat, el equipo que ha hecho posible un Sitges tan triunfal hace bien en cubrirse las espaldas.


Como todos los años, la ingente cantidad de películas programadas me obliga a anotar títulos que debo recuperar de inmediato. Es el caso del nuevo Matsumoto (Scabbard Samurai), de la belga Bullhead (con esta me confundí y me metí en Murder Farm), Underwater Love (al parecer la propuesta más extravagante y bizarra), The Woman (sacrificada por fatiga, perdiendo así la oportunidad de participar en la polémica) o el Diamond Flash de Carlos Vermut que me perdí por gilipollas, así lo escribo y así me despido.